虽然大厅的音响效果确实会影响任何音乐的声音，但诺诺的作品必须在每一个新的大厅里实际重现。与年轻音乐家一起将吉吉的音乐带入生活，探索边界，克服限制，在不断变化的环境中实现乐谱的挑战，这是一种深刻的感动。换句话说，就是要为新的音乐找到新的方法。

这是我在成年后呈示的青春期礼赞。分享和爱是自我的美丽自杀。自我唯一拥有的善良品质就是它总是毁灭自己；毛毛虫变成蝴蝶，以过上几天的自由生活。

近年来，音乐爱好者已经能够体验到（特别是通过布鲁克纳的例子）一位伟大的诠释者可以如何以不同的方式阅读乐谱的写作。乐谱的符号是无限模糊的。如果你听君特·旺德指挥布鲁克纳交响曲，并将其与切利比达克的诠释进行比较，你有时会认为这不是同一首作品。年轻的、火热的、戏剧性的——旺德的时间高强度地飞逝，而对于切利，人们有时仿佛见到安佛塔斯正在主持圣杯仪式。但奇妙的是，这两个极端都是可以并存的！音乐是多么伟大和神秘；一份乐谱中蕴藏着多么丰富的色彩和思想——有多少乐谱仍然沉睡在作曲家的头脑中……

自20世纪初以来，音乐的发展如此迅速，以至于许多我们曾经认为久经考验的、理所当然的原理和规则都受到了质疑。在一些时期，音乐家们致力于研究音乐语言的理性基础，系统地探索他们表达自己的技术——但这样的时期很少，而且相距甚远。上一次试图提供这种全面的解释是在18世纪，而它所确立的调性观念持续了近两百年。从那时起，作曲家们开辟了许多新的领域，放弃了几乎所有以前的限制。但是，尽管出版了一些技术性很强的书籍，其研究音乐语言的各个方面或关键作品的含义，但音乐理论仍没有跟上作曲家们的进步。

我们所处的科学技术文明是一个基于产品创造和产品贸易的社会。这些产品可以说是由机器制造的模型的复制。而艺术家的工作是以独特标本之新生产的意义上的生产：艺术家的工作就像大自然，它从不提供复制，而是非相同的新创造。因此，即使在今天，艺术家的正常活动本身就与我们的文明存在着不可调和的矛盾。他像陌生人或来自另一个时代的残党一样生活在其中。我在经历了数百次的讨论后得出，政治家、媒体代表、决定文化机构存在的委员会成员不可能深入了解这个问题。我们今天的意识被技术思维的范式塑造到了极致；我们很难认识到，艺术作品本身不是可以购买的物品，艺术工作不是可以被随意量化并获得相应奖励的过程，相反，艺术作品像植物一样，只有在一定的条件下才会茁壮生长。

齐默尔曼一直非常推崇马勒；我开始理解为什么。齐默尔曼是为数不多的（除了梅西安）在这一时代不允许自己作品中的情感因系统而萎缩的人之一；因此，即使是他的「正统」序列作品中，也有不变的强烈情感冲击。

我工作的基础是，从此时此刻开始，然后我们将看到是否有任何过去和未来。这导致了我现在称之为抒情的方法，而在我们西方的传统中，鉴于序列和发展的传统占主导地位，抒情形式的构成非常罕见。在东方传统中则不然，例如在日本，我们知道抒情形式要频繁得多：例如俳句的形式，以及能剧和音乐的传统。在那里，重要的是此时此刻；他们并不总是觉得必须把他们的创作建立在与之前的对比上，或建立在未来可能走向的瞬间上。你不去想它：你只是意识到脚、声音、手、头和眼睛的对位。

我比较了这两个人的命运，他们不理会世界的要求，他们创造的音乐将使我们的半个世纪被记住，与指挥家、钢琴家、小提琴家的「事业」相比，一种虚无的症结。然后，这幅两个伟大的音乐家，两个精神纯洁的美丽的人的照片，在最深层次上唤醒了我的正义感。

我实在是太忙了，以至于在第七结束后，我无法抽出时间立即给您写信。此外，还有一件很奇怪的事。以前，我总是觉得有一种冲动，想在演出结束后立即对您说些什么，趁当时作品给我留下的完整而热烈的印象还在。也许我暗自担心，这种印象可能会蒸发或减弱。而事实上——我必须承认这一点——它之前确实并没有持续很久。但这一次（对我来说这是最重要的一点），我知道我可以尽情地等待，因为这个印象，第七的印象，以及之前第三的印象：这些是持久的印象。

C.P.E.巴赫这六首奏鸣曲与后世钢琴奏鸣曲演奏的关联性几乎没有被注意到。海顿的钢琴奏鸣曲显然来自于巴赫对键盘乐器的处理。正如海顿自己所说：「凡是彻底了解我的人肯定都意识到，伊曼纽尔·巴赫对我有很大影响。」莫扎特和贝多芬都为他的巨大影响留下了证据。根据约翰·弗里德里希·罗赫利茨的说法，莫扎特在莱比锡关于C.P.E.巴赫说：「他是父亲，我们是孩子。我们一切所学都是自他而来。」